Tarsila do Amaral (Capivari, SP, 1886-São Paulo, 1973) é uma das maiores artistas brasileiras do século 20 e figura central do modernismo. Esta é a mais ampla exposição já dedicada à artista, reunindo 92 obras a partir de novas perspectivas, leituras e contextualizações. 

De família abastada, de fazendeiros do interior de São Paulo, Tarsila desenvolveu seu trabalho com base em em vivências e estudos em Paris a partir de 1923. Por meio das aulas com André Lhote (1885-1962) e Fernand Léger (1881-1955), aprendeu a devorar os estilos modernos da pintura europeia, como o cubismo, para digeri-los e, de maneira antropofágica, produzir algo singular. É importante chamar atenção para a noção de antropofagia, criada por Oswald de Andrade (1890-1954): um programa poético através do qual intelectuais brasileiros canibalizariam referências culturais europeias com o objetivo de digeri-las e criar algo único e híbrido, além de incluir elementos locais, indígenas e afro-atlânticos.

De volta ao Brasil, declarou: “Sou profundamente brasileira e vou estudar o gosto e a arte dos nossos caipiras. Espero, no interior, aprender com os que ainda não foram corrompidos pelas academias”. 

O enfoque da exposição é o “popular”, noção tão complexa quanto contestada, e que Tarsila explorou de diferentes modos em seus trabalhos ao longo de toda a sua carreira. O popular está associado aos debates sobre uma arte ou identidade nacional e a invenção ou construção de uma brasilidade. Em Tarsila, o popular se manifesta através das paisagens do interior ou do subúrbio, da fazenda ou da favela, povoadas por indígenas ou negros, personagens de lendas e mitos, repletas de animais e plantas, reais ou fantásticos. Mas a paleta de Tarsila (que serve de inspiração para as cores da expografia) também é popular: “azul puríssimo, rosa violáceo, amarelo vivo, verde cantante”.   

Boa parte da crítica em torno de Tarsila feita até hoje no Brasil enfatizou suas filiações e genealogias francesas, possivelmente em busca da legitimação internacional da artista, mas assim marginalizando os temas, as personagens e as narrativas populares que ela construiu. Hoje, após bem-sucedidas mostras nos Estados Unidos e na Europa, podemos olhar para Tarsila de outras maneiras. Nesse sentido, os ensaios e comentários sobre suas obras incluídos na exposição e no catálogo são elementos fundamentais deste projeto. Não por acaso a polêmica pintura A negra recebe atenção especial dos autores e é um trabalho central na mostra. 

Tarsila popular não busca esgotar essas discussões, que levam em conta também questões de raça, classe e colonialismo, mas apontar para a necessidade de estudar essa artista tão fundamental em nossa história da arte a partir de novas abordagens.

Esta exposição faz parte de uma série que o MASP organiza reconsiderando a noção de “popular”: desde A mão do povo brasileiro 1969/2016 e Portinari popular, em 2016, até Agostinho Batista de Freitas, em 2017, e Maria Auxiliadora, em 2018. Tarsila Popular é organizada no contexto de um ano inteiro dedicado a artistas mulheres no MASP em 2019 sob o título de Histórias das mulheres, histórias feministas. A exposição dialoga com duas outras dedicadas a artistas que exploraram a noção do popular de diferentes maneiras: Djanira: a memória de seu povo, até 19 de maio, e Lina Bo Bardi: Habitat, até 28 de julho. 

Tarsila popular tem curadoria de Fernando Oliva, curador do MASP, e Adriano Pedrosa, diretor artístico do museu.

​

Texto extraído: (https://masp.org.br/exposicoes/tarsila-popular)

​

​

Texto Complementar - Visita:

​

A Herança cultural de Tarsila do Amaral

 

Por Enzo Ferrara

 

 

“Nenhum artista consegue escapar da influência do contexto, das ideias de seu tempo.”

 -Tarsila do Amaral

Esse é um trecho de um dos textos espalhados pela exposição “Tarsila Popular”, apresentada pelo MASP em 2019, no qual procura mostra ao público a obra dessa importante artista brasileira, sob outro ponto de vista, um olhar mais popular, no sentido de representação do Povo brasileiro.

Não é a primeira vez que estreito contato com a obra de Tarsila. A primeira vez que vi pessoalmente uma obra dela, foi na Bienal Canibal de 1998. Na ocasião o famoso Abaporu estava exposto no Pavilhão Histórico. A cor viva da obra era o que mais chamou minha atenção, suas formas e o fato da obra ser tão popular, a ponto de ilustrar os livros escolares, fazia com que o povo se aglomerasse em torno da obra, algo que se repetiu no MASP mais de vinte anos depois.

Tarsila nunca esteve só, ela sempre dialogou com outros artistas e de outras formas de produção, e o diálogo promoveu uma troca cultural entre artistas, criando novos movimentos culturais e estreitando relações entre esse grande grupo de artistas modernos.

Esse grupo de artistas paulistas da década de 1920 deixou para todos os artistas da geração seguinte um legado, nos ajudou a preparar o terreno nacional para as novas produções, e ajudou a formar público local, para nas décadas seguintes, compreender a importância da libertação das cores e formas nacionais.

Por volta de 1913 Segal em São Paulo, introduziu as novas formas de se expressar no cenário paulista. Em 1917, foi a vez de Anita Malfatti a trazer a libertação das formas em suas exposições tão renovadoras que causaram espanto e críticas ferozes. Então 1922, principalmente depois dessa década vem compor a esse panorama as produções de Tarsila, de cores vibrantes e formas exploradas por uma nova perspectiva.

As cores das obras de Tarsila  já eram nacionais, cores tropicais, encucadas no subconsciente da artista desde sua infância, descobertas no ambiente das fazendas de café no interior de São Paulo, ou vistos no nosso povo de colorido peculiar. Mesmo já com essa percepção, era necessário ir buscar instrução na Europa, para consolidar sua produção, principalmente para ser introduzida e aceita pela conservadora sociedade paulista, onde historicamente sempre teve mais valor o que vinha de fora.

Buscar a inovação na arte moderna Europeia, absorver o melhor, e aproveitar para realizar produções com temas nacionais, foi sem dúvida um ato de revolução cultural, isso somado a um momento histórico cultural onde o ambiente se tornava fértil para essa revolução.

Na literatura Mário de Andrade já realizava essa revolução. Muitos conhecem o famoso livro Macunaíma, onde o personagem principal é um herói anti-herói, de forma exótica, bem ao gosto tropical. Destaco o livro “Contos” de Mário de Andrade, que tem uma escrita mais próxima do português falado nas ruas, nas feiras, uma língua verdadeiramente do povo. Um dos contos reunidos nesse livro é “O Ladrão” e minha dica de leitura. Ao ler é possível observar uma ligação entre os contos, muitos ambientados em São Paulo, com as produções de arte moderna, onde a Estação da Luz, os bondes, os automóvel, o telefone, a agitada vida noturna da grande metrópole, os operários, as ruas comerciais, as regiões de Fábrica como a do Brás não são apenas ambientes, mas elementos fundamentais das produções, gritando:

“ – Estamos no século XX, é tempo de revolução”

Esse tempo de revolução, tecnológica também precisava atingir as artes visuais, e foi o que ocorreu nos anos seguintes a realização da Semana de Arte Moderna de 1922, tomando corpo e forma aos importantes movimentos do “Pau Brasil e de Antropofagia”.

Olhar para a produção de Tarsila é refletir sobre esse momento tão importante, a obra dela é tão inovadora, que às vezes causa um espanto. Observe a obra Pastoral de 1927. O espanto se dá pelo fato de que apesar dos dois personagens da cena serem retratados exatamente como a época pede, então um homem já idoso, vestindo terno e gravata e a menina também com vestidinho branco e sapatinhos com meia, ambos sentados num banco. O ambiente no qual estão inseridos é o que mais contrasta, pois Tarsila inova mais uma vez ao quebrar as regras e normas da antiga Academia de Belas Artes, o horizonte desaparece, e os dois personagens são envolvidos por uma vegetação exuberante, de cores vivas, quase como se estivessem num sonho, o que faz a obra beirar o surrealismo.

O Nu sempre foi um desafio para qualquer artista, pois pintar um nu não é tarefa fácil, é preciso muito estudo, e em alguns casos a escolha muito bem pensada da pose, do sexo do retratado, e felizmente na exposição existem alguns nus femininos que ao ser expostos juntos contrastam entre si, pois uns lembram algo mais próximo da realidade outros são mais geométricos com cores mais vivas.

O tema do trabalho, principalmente o trabalho realizado pelas camadas mais pobres do povo brasileiro, também merecem destaque na produção. Tarsila retratou desde os operários das fábricas, passando pelos agricultores e as costureiras. O que me chamou a atenção é a forma como ela trabalhou a questão do Claro e escuro nessas obras, e também na obra Procissão e nos retratos de Oswald de Andrade e Mário de Andrade, que me lembrou a forma como Di Cavalcanti realizava o claro e escuro em suas obras, me fazendo pensar em possíveis influências, porém nesse caso não vejo que seja possível saber quem influencia quem, ou se essa característica seria algo encontrado nas produções de vários outros artistas, como uma tendência de época. Nesse caso será interessante realizar mais estudos sobre essa questão.

O folclore nacional também aparece retratado em alguns trabalhos muito interessante, que fora do Brasil devem ter causado um estranhamento, é o caso das obras, Batizado de Macunaíma, Urutu e A Cuca, que por si só já é muito inovadora, parecendo ser uma pintura muito atual.

As paisagens de Tarsila nos transportam para vários ambientes, onde são retratados vários locais como o Centro de São Paulo, Favelas, Fazendas, Sertões, Estações de trem e cidades do interior, onde são coloridas com personagens muito simpáticos.

Os tipos humanos são valorizados, tanto na retratação de estado de espírito como no seu drama social, o sofrimento e a esperança de dias melhores retratado na tela Segunda Classe, uma das obras de Tarsila mais claramente com tema de Crítica Social, ou em temas mais intimistas como Maternidade. Tarsila ainda tem o dom de retratar famílias inteiras no qual os personagens são diferentes entre si, porém existe uma semelhança, no qual ela trabalha com os rostos redondos e a tonalidade de pele parecida, mostrando uma relação genética entre os personagens.

Outros personagens têm formas inovadoras, como é o caso das obras A Negra, Antropofagia e o próprio Abaporu, temas nacionais onde a artista reduz ao máximo as formas e elementos da cena, deformando estruturas, colocando somente o essencial, pois a sociedade de São Paulo passava por transformações rápida, se tornando uma sociedade prática, rápida e funcional, como continuamos sendo até hoje, e a arte teria que seguir essa tendência.

Visto que aqui eu falei da importância da Bienal Canibal de 1998, achei muito interessante formar um texto retrospectivo sobre essa Bienal, que foi tão importante para a minha carreira e para o cenário cultural de São Paulo. Esse texto será apresentado posteriormente.